Pensarte

En el post sobre el informalismo hemos introducido el tema de la obra que ha de ser interpretada. Muchos artistas no explican su obra o la realizan sin ninguna finalidad a priori, esperan que el espectador haga un esfuerzo por entenderla. En este sentido Umberto Eco ha escribió un libro llamado “Obra Abierta” cuya tesis es que el lector reescribe el texto y se convierte así en el autor de la obra. Esto se explica porque la obra posee una polisemia, puede interpretarse encontrándose diversos significados en ella.

Muchas veces se critica que las obras de arte contemporáneas no son comprensibles, sin embargo pensando que las obras de arte nos dan pie a realizar interpretaciones, a reflexionar, sobre quien los ha producido y sobre el tema que trata, que al fin y al cabo no es otra cosa que la cultura misma en la que vivimos, la perspectiva sobre este punto de vista cambia. Cada usuario tiene una concreta situación existencial, una sensibilidad particularmente condicionada: determinada cultura, gustos, prejuicios personales, etc. de modo que la comprensión de la forma originaria se lleva a cabo según determinada perspectiva individual. Así las obras de arte nos ayudan interpretándolas a conocernos a nosotros mismos, sobre todo si contrastamos nuestra interpretación con la de otras personas.

Roland Barthes decía que la obra ha de ser abierta para que la obra de arte no muera por el paso del tiempo, con el cambio de paradigmas y conceptos culturales. La obra polisémica es la que puede sobrevivir en el tiempo. Esta es otra ventaja que ofrece la obra abierta.

Pero, ¿quién es entonces el creador de la obra? ¿quién es el que le da significado a la obra? ¿el autor o el lector? Barthes propone que si la obra es polisémica y el lector es el que la interpreta se produce la muerte del autor de la obra. Pero en mi opinión, ha de ser el autor el que, mediante la metáfora, nos de esta opción. Por ello, el autor es fundamental en este proceso de la interpretación de la obra, y seguramente, la obra haya sido motivada por una interpretación propia del artista.

El neoplasticismo también es conocido como De Stijl y es un movimiento que se dio entre 1917 y 1931 en Holanda. Sus principales representantes son Piet Mondrian y Theo van Doesburg. Para divulgar sus ideas no escribieron un manifiesto pero sí crearon una revista.

Piet Mondrian, “composición, rojo, amarillo, azul”, 1935

El movimiento consiste en crear una nueva composición o configuración con líneas verticales y horizontales, en negro normalmente, rellenadas de colores primarios. Las líneas son perpendiculares y quieren crear un arte universal. No intenta crear simetría pero sí equilibrio. Es una pintura muy racional. Mondrian se enfadó con Theo van Doesburg cuando pintó una línea diagonal y estuvo sin hablarle durante cuatro años.

Hacen pinturas pero este tipo de composición lo tomará la Bauhauss y lo aplicará sobre diferentes materiales, como por ejemplo vidrieras. Otros autores adscritos a este movimiento realizaron esculturas también pero las líneas generales, aunque no se mantenga siempre la perpendicularidad son las mismas.

Con este movimiento acabamos el recorrido por las primeras vanguardias y continuaremos con las segundas vanguardias. Para entender el arte contemporáneo es importante diferenciar los estilos porque serán influencias de autores posteriores. Además a partir de cada estilo se van desvelando unas claves, las claves de lo que es el arte contemporáneo. Respecto a las primeras vanguardias diríamos que el arte de las primeras décadas del siglo XX era arte si era rupturista y original ¿cómo será el arte de las segundas vanguardias?

Las vanguardias rusas surgen por primera vez en 1905 y por última vez en 1917. Tras la llegada del comunismo este arte queda relegado y se guarda en almacenes. Hay varios movimientos dentro de las vanguardias rusas y muchos de ellos tienen su propio manifiesto. Nosotros hablaremos de dos movimientos por considerar que son los que más influencia tienen, son el suprematismo y el constructivismo.

E 1913 Casimir Malevich funda el suprematismo. El suprematismo proclama la sensibilidad plástica pura y tiene una clara tendencia abstracta. Hacen pinturas y collage. Consiste básicamente en situar los colores dentro de estructuras geométricas irregulares, puede parecer cubista pero sus colores son mucho más ricos, puros y contrastados.

Kasimir Malevich, “composición suprematista”, 1916

El constructivismo tubo una primera fase llamada constructivismo productivo, era un movimiento abstracto y que producía gran cantidad de carteles. En 1920 surge el constructivismo, es igual al constructivismo productivo pero deja de tener conciencia política. Los principales autores, que además escribieron el manifiesto, son Naum Gabo y Antoine Pevsner, y su terreno era la escultura. Lo importante de este movimiento es que revolucionan la escultura haciendo escultura aérea. Utilizando materiales innovadores, como filamentos metálicos o cristal, crean estructuras abstractas.

Antoine Pevsner, “espíritu”, 1933

El surrealismo es un movimiento que se da desde 1924 hasta 1966, coincide con la muerte de André Bretón, que cruza el límite entre las primeras y las segundas vanguardias. André Bretón fue el ideólogo que escribió el manifiesto en 1924. El término surrealismo lo acuño Apollinaire cuando vio la obra de Giorgio de Chirico en 1914. Es, por tanto, un movimiento que avanza por gran parte del siglo XX y que tiene muy diversos focos, ya que se da en toda Europa y en Estados Unidos.

La voluntad de los surrealistas fue divulgar su obra, por eso muchos de ellos escribieron textos y sus obras al ser estudiadas han sido comprendidas. Las técnicas que utilizan son muy diversas pero lo son no tanto los temas. Los surrealistas intentaron llegar a conocer la verdad sobre sí mismos y para ello exploraron su mente, los temas surgen de esta exploración y son los más fundamentales para el hombre: la fecundidad, el paso del tiempo, lo enigmático de la vida y la muerte.

Hay tres elementos que nos ayudan a comprender inmediatamente que nos encontramos frente a una obra surrealista y coincide con tres modos de conocerse a uno mismo:

-       Les interesan los símbolos. En los cuadros de los surrealistas se repiten ciertos símbolos dependiendo de cada autor que se identifican con los temas principales que se han señalado. La idea de tomar símbolos proviene del mundo de la magia y el espiritismo. Les interesa el contenido mágico de las obras primitivas y, por ende, la metáfora. Por ejemplo, Salvador Dalí utiliza las hormigas como símbolo de muerte, el huevo como símbolo de fecundidad o dibuja unos relojes derretidos para indicar la vacuidad del tiempo. Muchas veces estos autores acuden a la mitología y la utilizan como símbolos.

Salvador Dalí, “la persistencia de la memoria”, 1931

-       Prestan mucha atención al inconsciente, porque, siguiendo a Freud, creen que libera los traumas y que ayuda a conocerse a sí mismo. Por ello practican el automatismo, dibujar algo sin pensar en ello, dejándose llevar, tal y como hacemos cuando hablamos por teléfono. El automatismo psíquico ayuda a explicar el funcionamiento real del pensamiento.

André Massón, “caballos atacados por peces”, 1926

-       Lo onírico. En los sueños se nos plantean enigmas pero también descubrimos nuestro propio inconsciente. Muchos autores daban un aire onírico a sus obras, en ellos se plantea el enigma, lo inimaginable o lo imposible.

René Magritte, “lo inhallable”, 1964

El dadaísmo comienza en 1916, fecha en la que publican su manifiesto. Es el primer movimiento de vanguardia internacional, se da en Alemania, Francia o Estados Unidos. Tristan Tzarà inventa el nombre dada, lo encuentra al azar mirando un diccionario, lo saca de contexto y denomina dada al movimiento.

La idea dadaísta es criticar, con sus actitudes provocativas y rupturistas, a la sociedad que ha propiciado entrar en una guerra. El dadaísmo es nihilista, esto es, no cree en nada, ni siquiera en el futuro, la máquina o el progreso, como los futuristas. Dada para ellos no significa nada y esto es un símbolo de su nihilismo. Su nihilismo es un medio para la crítica.

El dadaísmo se expresa a través de muchas técnicas y artes. Se expresa a través de la pintura, de la escultura, del collage, hacen teoría, mimo, baile, fotografía o fotomontajes. Lo que nos da los indicios de que una obra es dadaísta es, en general, que no tienen explicación y en ello está precisamente su provocación. Para ello utilizan diferentes medios:

-       Utilizan el automatismo, tal y como luego lo harán los surrealistas. Hacen obras sin pensar en ellas ni en su sentido para que el resultado sea caótico e incomprensible. De esta técnica salen dibujos abstractos.

-       Utilizan el azar para molestar. Por ejemplo los futuristas experimentaron con el ruidismo, pero ellos no pretendían molestar. Para ello leen varios poemas a la vez, así no se entiende nada, se genera un caos y se ridiculiza al público que no entiende nada.

-       Hacen antimecanismos. Utilizan la máquina para ridiculizarla haciendo máquinas inútiles.

Raoul Hausmann, “Tatlin en caso”, 1920

-       Desconstextualización del objeto para hacer que así pierda su sentido.

Kurt Schwitters, “pintura Merz”, 1921

Este arte no pretende ser figurativo y aunque tenga algún elemento figurativo pierde su sentido por carecer de contexto. Por esto es muy difícil hablar de los temas que tratas los dadaístas, porque el tema va en contra de sus principios.

René Magritte, "las vacaciones de Hegel", 1958

Hace poco hablamos de Marcel Duchamp y del concepto de la muerte del arte. Pero antes de que se aplicase este concepto al arte Hegel ya habló, en el siglo XIX de la muerte del arte.

Hegel fue uno de los primeros en hablar del símbolo y pensaba que no era arbitrario, sino que el símbolo contiene el contenido. De este modo cualquier símbolo es descifrable. Repasa la historia del arte en función de la relación que ha habido entre forma y contenido. Una primera etapa fue la simbólica en la que el individuo se movía por naturaleza, por lo que prevalecía la forma sobre el contenido y resultaba difícil descifrarlo. En una segunda etapa, la clásica, forma y contenido estaban equilibrados. En la tercera etapa, el romanticismo, el contenido prevalecía sobre la forma, por lo que descifrar el significado del símbolo se hacía difícil. Si el mejor arte era el clásico, una vez de lo clásico desaparece se rompe la armonía y Hegel pronuncia su famosa frase “el arte ha muerto”.

El arte del siglo XX es un arte muy racional y muy poco sensible. Si el arte es fundamentalmente contenido, siguiendo a Hegel nos podríamos preguntar, ¿de qué se diferencia de otras disciplinas intelectuales como la ciencia o la filosofía? El problema de las vanguardias artísticas es que son rupturistas con el pasado. Al perderse la relación histórica se pierde el contexto y por ello es muy difícil descifrar el símbolo. El arte a menudo se ha copiado a sí mismo retomando el pasado y así no se pueden generar nuevos contenidos, aunque sí se hace un arte más comprensible.

Sin embargo, el punto de vista del artista sería diferente al del espectador. En el arte contemporáneo no es tan importante llegar al objeto, lo importante es el camino, y esto ha sido importante para el artista siempre. El arte no puede ser sólo copiar la realidad, el arte es un símbolo para el artista. La pregunta que surge es ¿el artista ha de explicar su obra?

Los dos artistas que han tenido más influencia en el arte del siglo XX han sido Pablo Picasso y Marcel Duchamp. Picasso hizo una gran aportación al arte al llevarlo a un plano más abstracto, es un autor ecléctico que practica diversos estilos y que reinventa a sí mismo. Pero en mí opinión un autor del que se puede hacer más de una tesis doctoral por cómo ha influenciado en todo el arte posterior, ha sido Marcel Duchamp. Duchamp no sólo hace obras originales y rupturistas sino que además genera unos conceptos que se aplican en el arte de hoy en día incluso y que son necesarios conocer.

En sus inicios Marcel Duchamp experimenta con todos los estilos de su época, hace pinturas impresionistas, fauvistas, romanticismo, simbolismo, cubismo y futurismo. Por la guerra se trasladará a Estados Unidos y dará un gran impulso a este foco artístico que en las segundas vanguardias será el principal, derrocando a París. Se le ha relacionado con diferentes movimientos artísticos pero habría que decir que Duchamp no perteneció a ningún grupo.

Los conceptos clave de Duchamp son:

-       La ironía. En su obra “hombre joven triste viajando en un tren”, de 1911/12 se plantea una incógnita, en el cuadro no se ve nada pero el título es muy descriptivo. Marcel Duchamp dirá que le salió la vena literaria.

Marcel Duchamp, “hombre joven triste viajando en un tren”, 1911/12

-       La ready made, el objeto ya hecho. Es la descontextualización de un objeto preexistente. En 1913 hizo la “rueda de bicicleta” que es la obra que se ve a continuación. Con este montaje el objeto pierde su utilidad pero se mantiene la idea de movimiento. El artista ahora es el creador conceptual de la obra, no tanto material.

Marcel Duchamp, “la rueda de bicicleta”, 1913

-       La provocación. Su obra “la fuente” de 1917 es un ejemplo claro de provocación y controversia. Duchamp cogió un urinario público y lo firmó como R. Mutt. La provocación consistió en que la exposición era de la Asociación de Artistas Independientes y que Duchamp estaba en el comité de selección. Duchamp, artista reputado, no presentó ninguna obra con su nombre pero sí lo hizo con el pseudónimo de M. Mutt, que le permitía estar en el anonimato. Cuando la junta de selección lo vio pensó que era una broma y finalmente Duchamp se descubrió como el artista.

Marcel Duchamp, “la fuente”, 1917

-       La muerte del arte. Frente a la idea del arte como belleza, Duchamp propone el arte como algo lúdico. El arte se baja de un pedestal. Parte de la crítica más conservadora cree que Marcel Duchamp contribuyó a destrozar la tradición artística: generó la tendencia a sobrepasar el límite basado en la negatividad ante la tradición. Las segundas vanguardias son deudoras de estas ideas.

-       El azar. Esta idea se plasma en su obra “el gran vidrio” de 1943 y que consideró inacabada. Una obra que no se podía mover ni limpiar, y que con el paso del tiempo se rompió y ensució, lo cual al artista le pareció bien y la consideró acabada.

Marcel Duchamp, “el gran vidrio”, 1943

-       El misterio del artista. Duchamp nunca explicaba su obra con lo cual permanecía con una aureola de misterio. Esto ha contribuido a generar el mito en torno a Duchamp.

-       Enviroment. Este concepto consiste en generar un ambiente, como una habitación entera. En su obra de 1966 “la cáscara, óleos, el gas del alumbrado” hizo una habitación entera en el museo de Philadelphia, que lógicamente no es trasladable y por ello no se puede comprar como tal. Esta habitación estaba cerrada y al mirar por una mirilla se veía el interior. Así el espectador se convertía en un voyeur.

Marcel Duchamp, “la cáscara, óleos, el gas del alumbrado, 1966

En 1925 Duchamp decidió que ya no se iba a dedicar al arte pero años después, en 1934, realizó la caja verde y vendió 300 ejemplares de ella. En ellas estaban desordenados todos los documentos que escribió para hacer una de sus obras. El objetivo fue sacar dinero. Su actitud sarcástica ante el arte, de amor odio, duró hasta su muerte. Al final de su vida rechazó el arte y se dedicó a jugar al ajedrez.

El futurismo es un movimiento principalmente italiano que surge en parís en 1909 a raíz de la publicación de su manifiesto y que dura hasta 1916. Es el primer gran movimiento que se promulgará a través de un manifiesto.

El manifiesto promulga una ideología basado en el concepto de futuro. El futurismo es un arte que está radicalmente en contra del arte del pasado y que mira al futuro que está creando la ciencia. Los italianos precisamente tienen una gran herencia cultural y quieren alejarse de esos modelos creando ellos otro tipo de grandiosidad.

Los temas que tratan los futuristas definen y diferencian sus obras. Estos temas se relacionan con la ciencia, tratan los temas inherentes al mundo moderno: la velocidad o el dinamismo de las comunicaciones, de los automóviles, de la ciudad o de la luz eléctrica son un símbolo de una nueva panacea del futuro.

El futurismo tiene una faceta literaria y musical con Marinetti donde sus palabras se utilizan como ruido, a esta corriente en concreto se le llama ruidismo. Utilizan el collage pero no como los cubistas porque no dejan espacios vacíos. El futurismo se expresa a través de la pintura y la escultura, estas obras, además de por los temas, se diferencian por:

-       Los colores típicos son el rojo, el amarillo y el azul, esto es, los colores primarios.

Luigi Russolo, “dinamismo de un automóvil”, 1910

-       Se utiliza la técnica divisionista del color en muchas ocasiones, los colores se aplican en pequeños puntos. Se utiliza muchas veces para pintar la luz eléctrica que ilumina la ciudad por la noche.

Giacomo Balla, “farola”, 1909

-       Gracias a la fotografía empiezan a poder desfragmentar el movimiento, así lo hacen por ejemplo con el galope de los caballos.

Carlo Carrá, “el caballero rojo”, 1913

Umberto Boccioni, “formas de continuidad en el espacio” 1913

-       Algunos de sus cuadros parecen abstractos porque dibujan series repetidas, rayos que se expanden o hélices, que son formas abstractas que identifican con el dinamismo.

Giacomo Balla, “Mercurio pasando frente al sol”, 1914

El cubismo es un movimiento que se da en Francia desde 1907, fecha en la que Picasso pinta “las señoritas de Avignon”, hasta 1917/18, cuando Picasso se separa del cubismo. Más o menos todos sabemos qué es el cubismo y sabemos identificarlo. Algunos de sus representantes más importantes son Pablo Picasso, George Braque, Fernand Leger, Juan Gris o Constantin Brancusi.

Pablo Picasso, “las señoritas de Avignon”, 1907

El cubismo tal y como dijo Apollinaire se distingue de la antigua pintura en que no es imitativo, es un arte de concepción forjado en la mente que tiende a elevarse hasta la creación, el artista ha de emular a la naturaleza en sus actos creadores. Por lo tanto, en el cubismo lo que se valora es la originalidad.

¿Cuáles son los puntos clave del cubismo que nos permiten identificar una obra?

-       Se rompe con la perspectiva renacentista en la que sólo hay un punto de fuga y empiezan a aparecer múltiples puntos de fuga, por lo que las representaciones resultan abstractas.

-       Hay un gran interés por el primitivismo, en concreto por las máscaras negras africanas que a menudo sustituyen los rostros.

-       Se utilizan colores neutros.

El cubismo puede ser figurativo, llamado cubismo científico o cubismo físico, o abstracto, llamado cubismo órfico o cubismo instintivo. Cuando se parte de lo figurativo se representa un objeto que no tiene porque ser fácilmente perceptible pero se suele identificar por el título de la obra o en ella se suele escribir unas palabras que lo identifican. El cubismo abstracto no representa nada figurativo y surge de la mente del artista.

Georges Braque, “mujer con guitarra”, 1913

Un tipo de cubismo representado por Fernand Leger y que podría resultar confuso es el tubismo, que desfragmenta las figuras en cilindros.

Fernand Leger, “desnudos en el bosque”, 1909/10

Los cubistas utilizaron diferentes técnicas, principalmente la pintura y escultura. Es remarcable señalar que introducen el collage. Su temática es muy diversa y no sirve para identificar las obras como cubistas.

Pablo Picasso, “óleo y hule sobre lienzo enmarcado con cuerda”, 1912

El expresionismo es un movimiento alemán difícil de simplificar porque comienza en 1905 y acaba en 1933. En todo este tiempo hay diferentes focos y cada foco tiene su identidad. Surge en la época del Kaiser alemán Guillermo II, un emperador dictatorial, inflexible y militarista. El expresionismo incita a los jóvenes a revelarse, tal y como lo hacen el resto de las vanguardias, y a romper con lo establecido. Es un movimiento que presiente el advenimiento de un guerra y que tras la guerra plasma la honda impresión de la sociedad sumergida en un caos. Como fuente de inspiración toman como modelo a Edvard Munch que en su obra “el grito” de 1893 mostró la angustia del hombre sólo ante la muerte, el existencialismo.

Edvard Munch, “el grito”, 1893

El expresionismo se plasma en pintura, en xilografía (grabado sobre madera) y en escultura. En general las obras presentan unas pinceladas gruesas y sinuosas que imitan las vetas de la madera, las figuras aparecen poco definidas y son alargadas y puntiagudas, como las figuras del Greco.

Aunque haya una técnica o estilo en común para identificar una obra expresionista es necesario también atender a la temática. Técnica y temática nos darán las pistas para saber que nos encontramos con una obra expresionista. En general todas las temáticas comparten el punto de vista de la muerte y de la angustia. Estas temáticas son:

-       El tema de la mujer, principalmente la mujer desnuda en movimiento o el erotismo. El ombligo, los ojos y el sexo están muy marcados. Muchas veces se representan prostitutas o prostíbulos.

Ernst Ludwig Kirchner, “cinco mujeres en la calle” 1915

-       La calle, que es primitiva y gótica. La ciudad se muestra como un lugar de opresión, con calles en zig-zag. El zig-zag muestra inestabilidad.

George Grosz, “la ciudad” 1916/7

-       Hay una tendencia a representar amigos, la fábrica, paisaje o la fe.

Emil Nolde, “el profeta” 1912

Los grupos expresionistas fueron Die Brücke, Der Blauer Reiter, Neue sachlichkeit o nueva objetividad y la secesión de Viena. Muchos de estos artistas son muy conocidos, por ejemplo, además de los nombrados mediante imágenes, la primera época de Wassily Kandinsky, Otto Dix, George Grosz, Gustave Klimt, Oskar Kokoschda o Egon Schiele. Este movimiento ve expresado en películas expresionistas de esta época, por ejemplo en “el gabinete del doctor Caligari” de Robert Wiene de 1920.