Pensarte

Hace unos días fui a ver esta exposición que me fascinó. En primer lugar por el concepto mismo de exposición generado por la comisaria Cecilia Andersson que presenta las obras de dos artistas como un proceso para que sea comprensible para el público, genera así un diálogo entre artistas y público. Realmente la forma en la que habitualmente participamos e interactuamos con el mundo es el diálogo. Éste es el sentido de la obra abierta de Umberto Eco que comentamos en un post reciente.

Parte de este proceso se manifiesta al comienzo de la exposición el la que se presenta a cada artista mostrando sus fuentes, que al mismo tiempo se vinculan con los materiales que utilizan. Stephen Dean utiliza como medio las grabaciones de video y su influencia está en su abuelo y su tía, por ello se muestran grabaciones de los 60 de su tía y su abuelo. Daniel Canogar utiliza materiales reciclados que extrajo de casa de un pariente.

De cada artista mostraré una obra representativa de la exposición para que os hagáis una idea de a donde les ha llevado estas influencias.

Stephen Dean, instalación “prayer Mills”, 2007. Mediante el uso de unos expositores de postales desechables –que el espectador puede girar-, de unas escaleras, vidrios transparentes y luces, se genera un juego de reflejos que cambian a medida que el espectador se mueve o mueve la obra. El artista aborda el color como elemento esencial en la mayoría de sus obras, muchas de ellas videos, como medio para transmitir emociones por un medio atemporal.

Daniel Canogar, “hipocampo”, 2010. Un rayo de luz atraviesa una serie de calbes delgados agrupados informalmente en tres paquetes. La luz en movimiento refleja sobre los cables creando un efecto parecido a las chispas. Es una metáfora de cómo la información atraviesa caminos complicados. El título añade además que los medios de información actuales son un medio relacionado con la creación de memoria.

Estas obras dan paso a otras más complejas y con más matices, pero con el mismo fundamento. La exposición no sólo nos hace reflexionar –o dialogar con el autor, como diría la comisaria- sino que también presenta un gran placer estético para el espectador. Os invito a todos a visitar esta exposición.

Para más información consultar este enlace:

Sala de exposiciones del Koldo Mitxelena

El Bosco, "el carro del heno", 1500-02 o 1516

Francesc Torres es un artista catalán afincado en EEUU desde los 70 y que en la actualidad trabaja como agente cultural y comisario de exposiciones en Cataluña. Es un hombre polifacético –artista, historiador, ideólogo, filósofo- que plantea sus obras con un marcado carácter europeo. Se le ha calificado como artista político y conceptual. A través de la relación entre tres conceptos clave podría ubicarse estas dos facetas. Arte, idea e historia serían los conceptos que articulan su pensamiento. De la relación entre arte e idea surge su carácter político que reivindica la función social del arte. Del binomio idea e historia aparece su lado conceptual. La idea y la historia se exigen mutuamente, una no puede existir sin la otra. Reivindicando la historia reivindica la transparencia y la opinión en contra de la cultura de masas –vigente en el discurso de la política actual. El trinomio arte-idea-historia es rehusado por la política institucionalizada, por ello mismo, como artista político es antipolítico y como artista conceptual es simbólico y didáctico.

Hoy comentaré su obra: El carro de heno, centro de arte de santa Mónica, Barcelona, 1991. Francesc Torres montó una instalación basándose en una famosa obra de El Bosco, El carro de heno. Es un tríptico. En la izquierda se representa sincrónicamente diferentes episodios del génesis, en el centro aparece el carro de heno y en la derecha aparece una visión del futuro, un paisaje apocalíptico. El caro de heno está tirado por diablos con un séquito de papas. Los diablos llevan a los papas al infierno. La gente corriente coge lo que puede del carro, el heno es el símbolo de todo lo necesario para ser feliz en la vida. Sobre el carro unos aristócratas hacen un picnic y hay una pareja besándose. En el cielo Jesús vigila la escena con los brazos abiertos.

La obra de Francesc Torres se centra en el panel central y rememora mayo del 68, donde los estudiantes quieren una educación más liberal como en China, y abril del 89, donde los chinos se manifiestan para tener una educación más europea. Estas dos fechas marcadas por un cambio de época señalan también una antítesis sincrónica. Torres elige dos momentos de revolución, elige un tema histórico ¿Cuál es la moraleja? La revolución sincrónicamente en la obra como antítesis interesa por el hecho mismo de la revolución y cronológicamente muestra que una revolución también implica cierta inocencia, es la creencia que ayuda a trascender lo cotidiano, es el pensar que el mundo puede ser mejor. En estas dos manifestaciones el concepto básico es el cambio del antes al después. Otro concepto básico es el de responsabilidad. Si la inocencia nos lleva a la creencia acerca del futuro ¿nos exime la inocencia de la responsabilidad con el futuro? No.

El jueves estuve visitando la exposición temporal las mujeres que no conocemos, el título ya resulta ambiguo, no sabemos a ciencia cierta de qué tratará la exposición. Una vez que entramos ya nos damos cuenta que habla de un voyeur al que le gusta perseguir a desconocidas por la ciudad. Es muy interesante cómo interactúan espacio, cine y fotografía, principales recursos de la exposición. La luz viene dada principalmente por las proyecciones creándose escenografías en las esquinas y en diferentes espacios que hacen que el espectador se sitúe en la ciudad misma, te convierte en voyeur y en perseguido, convierten el cine en un recurso interactivo.

Al final hay una instalación en la que se ve al público mirando cuadros y cuadros que nos miran o miran al público, nosotros somos parte de ese mismo público y hacemos una reflexión sobre lo que nosotros somos ¿no somos nosotros mismos mirones? Cuando en la primera parte de la exposición veíamos al mirón persiguiendo y mirando a las mujeres llegaba a darnos asco, sin embargo al final de la exposición, mediante esta instalación, se establece un diálogo entre la persona y la obra de arte creándose un diálogo y la pregunta que ya hemos planteado.

Un problema que podríamos decir que supone una exposición así es que al ser básicamente cinematográfico la exposicón misma marca un ritmo a seguir en la exposición en contra de los diferentes niveles de lectura y de la posibilidad de realizar la visita más o menos rápido. Otro problema sería que la oscuridad necesaria para proyectar anula las posibilidades del resto de recursos.

Ayer pasé el día en el Art Futura y la verdad es que hablaron de muchas cosas interesantes. Yo no soy precisamente experta en ordenadores, es más, me falta mucho por saber. Tuve la suerte de ir acompañada de dos informáticos que me fueron explicando alguna cosa. Me sorprendieron en las presentaciones los videojuegos de tercera generación por su carácter interactivos y sociabilizadores. Los videojuegos ya son interactivos pero no entre usuarios, todos los usuarios, cada uno con su personaje, han de colaborar para pasar los obstáculos y las pantallas.

Por otro lado, me interesó mucho la charla de Juan Freire sobre la web 3.0. Habló de los motores actuales del cambio que son la política, la economía, la cultura e Internet. Relaciona internet con la época postmoderna, por su cinismo y su hiperrealismo. Para hacer referencia a ello habló de los filtradores de información como Wikipedia –ya existen otras como cordobapedia o debatepia-, de la página de arte Saatchi online o de redes hiperlocales. El conocimiento ya no estará en la biblioteca porque el ordenador será un repositorio. Habla de la creatividad como mezcla de diversos originales, como una copia o mezcla de dos elementos ya existentes, esto se debe quizá a que haya tanta información, que causa una angustia cultural.